Categoría: Curso

Workshop: La ilustración desde otra perspectiva

Fecha: 27 y 28 de Julio.

Horario: 10:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 2
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Elaboración de una ilustración buscando la mejor manera de desarrollar una composición con impacto
visual por medio de técnicas de perspectiva en base a un tema/concepto definido:.

Sesión 1

 -Comprensión del espacio y formas de manera tridi-
  mensional.
-Comprensión de la perspectiva de 1 punto de fuga.
-Comprensión de la perspectiva de 2 puntos de fuga.

Sesión 2

-Comprensión de la perspectiva de 3 puntos de fuga.
-Comprensión de la perspectiva oblicua o de “ojo de
pez”.

-Solución de problemas cotidianos que se nos compli-
ca representar en nuestra composición.

…y cualquier duda que pudiera aclararles.

Materiales

Para el desarrollo de ideas (bocetos), traer consigo
una buena cantidad de hojas económicas, tu libreta
de bocetos, lápices y juego escuadras.

Traer además el material y herramientas que quisie-
ras utilizar para realizar tu ilustración final, el cual es libre.

Para buscar materiales de referencia (documenta-
ción), algún dispositivo portátil también ayudará (lap-
top, tableta, teléfono inteligente, etc.)

Jilipollo

Javier Medellín Puyou es un ilustrador mexicano. Estudió la carrera de arquitectura, y siempre ha estado sumergido en proyectos diversos de carácter creativo, siendo en sus inicios y como gran parte de su formación artística el dibujo de cómics, teniendo sus 15 minutos de fama con la controversial
revista Larva.
Eventualmente y gracias a este gusto hacia el dibujo, además de giros inesperados en su vida tras haber vivido en UK, se adentró de lleno en la ilustración, profesión que ejerce actual- mente. Sus influencias vienen de la cultura pop, el humor de autores como Robert Crumb, la música y, tras haber visitado
en sus verdes mocedades el país del sol naciente, se nutrió de los trazos elegantes de los grabados antiguos nipones, acoplándolo a su estilo aún en desarrollo en aquél entonces junto con otras influencias que vienen desde el arte Renacen- tista hasta el arte kitsch Mexicano y la estética vintage.

Su trabajo a veces se ve en publicaciones, productos, libros, pósters, publicidad, muros, discos, etc. para clientes en el globo como: Coca Cola / Google Plus / Banamex / ESPN / Vans / Aeromexico Airlines / Tasveer / Lufthansa Airlines / Military Officers Association of America (MOAA) / Anoto Pens / QUO magazine / Picnic magazine / Expansion magazine / Travel & Leisure magazine / CEO magazine / Variety Magazine / Aire Magazine / Tec Review Magazine / Accent Magazine / MOI Magazine / Biz New Orleans Magazine / Victoria Beer / BOOM! Comics / Gain (Mr. Clean)

Algunas publicaciones, menciones y premios: IIllustration now! vol. 4 (edit. Taschen) / Communication Arts Illustration / American Illustration 33 / Latin American Illustration 3, 4(Winner Award), 5 (Winner Award), 6 (Winner Award and selected in “los Diez” (the 10), 7 (Winner Award and selected in
“los Diez” (the 10) / World Illustration Awards (AOI) winner / Society of Illustrators of L.A. 51, 52, 53 (Silver Award), 55 (Silver Award), 56 (Bronze award) 57 (Gold Award)/ Creative Pool Annual Winner 2015 / The 3×3 Illustration annual 11 and 13 Honorable Mention, 15 Selected / 360o Asia Pacific Design /
Afiches e Ilustraciones UP (Universidad de Palermo) / Sube tu Vida (Coca-Cola award winner poster) / Fashion Illustration (Liaoning Science and Technology Publishing House) / Young
Illustrators Award, Berlin / Juxtapoz magazine / Hiiibrand

Clínica El arte urbano como profesión: cómo presentar tu proyecto

Fecha: 13 y 14 de Julio.

Horario: 10:00 a 14:00 h.
No. de sesiones: 2
Duración total del taller: 8 Hrs.
Precio: $1,200  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Aprender, por medio de ejercicios prácticos, a presentar formalmente un proyecto de
arte urbano o ilustración ante un cliente.

Sesión 1

-Presentación del artista: su experiencia y trabajos como artista urbano e ilustrador.
-Presentación breve de alumnos para concer sus intereses, referencias y expectativas del curso.
-Explicar las diferentes etapas del proceso de un proyecto
-Explicar los elementos que debe llevar una presentación efectiva

-Dar a los alumnos un brief cticio para trabajar a partir de él
-Generar en conjunto una cotización para el proyecto
-Comenzar a elaborar un boceto propio

Sesión 2

-Digitalizar el boceto terminado y montarlo sobre fotografías
-Redactar la justicación del proyecto
-Terminar presentación personal

-Presentación de propuesta nal frente a la clase
-Retroalimentación y consejos de ejecución para cada proyecto en particular

Materiales

-Laptop con algún software de diseño
-Libreta
-Material de dibujo

Charlötte

Beo Hake ha pintado en las calles de Monterrey desde hace más de 10 años. Su experien-
cia le ha permitido convertir su hobby en su profesión y ha trabajado en gran variedad

de proyectos formales. Entre sus clientes más recientes se encuentran Cerveza Minerva,
Tequila Milagro y Ojo de Agua,.

SEMINARIO DE ANIMACIÓN

Fecha: AGOSTO 10, 11, 17, 18, 24, 25 y 1 de SEPTIEMBRE

Horario: 10:00 a 14:00 h.
Duración total del taller: 4 módulos
2 sesiones cada módulo dividido en 4 hrs por sesión.

Precio por Módulo: $1,200   (Aparta tu lugar con $400)

Precio por todo el Seminario: $3,800 (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Que el alumno sea capaz de entender el proceso en la producción de
animación desde su conceptualización hasta la realización y que al finalizar el seminario, el
asistente, cuente con herramientas necesarias para desarrollar su propia carpeta de preproducción
para cualquier proyecto de animación.

DESARROLLO DE UNA IDEA PARA UN PROYECTO DE ANIMACIÓN.
Teórico- práctico

FECHA Y DURACIÓN:
 AGOSTO 10 y 11 de 10:00h a 14:00h (8 horas distribuidas en 2 sesiones)
OBJETIVO:
A partir de un dibujo o texto el participante hará ejercicios de bocetaje y escritura teniendo
como resultado un breve esquema secuencial que explique la idea de su proyecto de animación.
PERFIL DE INGRESO:
Ilustradores, dibujantes o personas interesadas en aterrizar una idea para animación ya sea
narrativa o no narrativa.
REQUISITOS DE INGRESO:
Tener por escrito y/o en dibujo una idea que el participante quiera desarrollar en animación.

MATERIAL: Hojas blancas, libretas de dibujo.

TEMARIO
SESIÓN 1
1. Introducción
– Qué es un corto narrativo
– Qué es un corto de idea o no narrativo
– Construcción a partir de un texto, de lo gráfico, sonoro, zentagle
– Estructura cíclica, rítmica, descriptiva y de asociación.
2. Estructura narrativa
– Ley, tema y anécdota
– Lectura de una imagen
– Visualización de un texto
– Situación, personaje, ambiente
3. Aterrizar una idea
– Hoja de personaje
– Logline, storyline, sinopsis
– Bocetaje de una ficha

SESIÓN 2
4. Narrativa secuencial
– Lenguaje audiovisual aplicado a animación
– Ejemplo de cómic y storyboard
– Guion gráfico y animático
– Propuesta de 5 fichas de trabajo
– Elaboración de un esquema o mapa con fichas

PRODUCCIÓN DE ANIMACIÓN Y ELABORACIÓN DE CARPETAS
Teórico
FECHA Y DURACIÓN: 17 y 18 de Agosto  de 10:00h a 14:00h.

OBJETIVO:
El alumno elaborará una carpeta profesional para la obtención de financiamiento en convocatorias
nacionales e internacionales, así como el desarrollo de un pitch corto y largo para la venta de
su proyecto o idea.
PERFIL DE INGRESO:
Profesionistas y recién egresados interesados en elaborar una carpeta para la búsqueda de
recursos financieros para la realización de un proyecto ya sea serie o cortometraje de animación.
PERFIL DE EGRESO:
El alumno saldrá con una carpeta adecuada para pedir patrocinios, donaciones y apoyos.

TEMARIO
SESIÓN 1
1. De la idea a la venta
– Factores a considerar al iniciar un proyecto
– Técnica, programas y herramientas de animación
– Síntesis, sinopsis, logline
– Que es un pitch de elevador y como estar preparado
2. Carpetas para desarrollo de proyectos y pre-prodcción
– Requisitos básicos para proyectos en desarrollo
– Convocatorias nacionales e internacionales
– Requisitos básicos de IMCINE

SESIÓN 2
3. Elaboración de presupuesto y esquemas financieros
– El crew, organigramas y jerarquías
– Workflow de proyectos
– Como hacer un presupuesto
– Síntesis de esquema financiero y ruta crítica
– Aspectos legales, contratos y derecho de autor
4. Carpetas para venta de proyectos
– El pitch largo, como presentar mi proyecto
– Espacios de mercado para venta de proyectos
– Presentación de proyectos con carpetas trabajadas en clase

DIRECCIÓN DE ARTE PARA ANIMACIÓN: CONCEPTUALIZAR LA IDEA
Teórico- práctico
DURACIÓN: 24 y 25 de Agosto de 10:00h a 14:00
OBJETIVO:
Introducir a dibujantes e ilustradores en el proceso de conceptualización de arte para animación
y su respectivo flujo de trabajo.
PERFIL DE INGRESO:
Estudiantes y profesionales familiarizados con el dibujo y la ilustración interesados en complementar
sus conocimientos.
REQUISITOS DE INGRESO:
Si el interesado tuvo la oportunidad de asistir al módulo 1 es necesario llevar el texto desarrollado
en ese módulo. Si no cursó el módulo 1, no es necesario llevar algún escrito.
PERFIL DE EGRESO:
Al final de módulo el asistente contará con los conocimientos básicos para poder desarrollar
una guía de estilo para la dirección de arte en animación.

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MATERIALES: Laptop o tablet, software para dibujar, hojas blancas, libretas de dibujo y materiales
para dibujar (si es posible tableta digitalizadora).

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TEMARIO
SESIÓN 1
1. Introducción: Primeros pasos para conceptualizar
– Flujo de trabajo
– Aspectos a considerar al momento de conceptualizar
– Referencias/Moodboard
2.Exploración formal
– Ejercicios de calentamiento/ bocetaje
– Atribuir aspectos que cuenten una historia
– Siluetas y Figura/fondo
SESIÓN 2
3. Cuadro de estilo: aterrizar una idea
– Character design y Props
– Composición
– Color
4. Guía de estilo: coordinar a un equipo

EL LENGUAJE DEL MOVIMIENTO- DE LA TÉCNICA AL CONCEPTO DE LA ANIMACIÓN.
Teórico- práctico
DURACIÓN: 31 DE AGOSTO Y 1 DE SEPTIEMBRE de 10:ooh a 14:00h
OBJETIVO: Conceptualizar un proyecto de animación con base en los principios básicos, los tipos y posibilidades de la imagen en movimiento. Elaborar un glosario del lenguaje utilizado en la animación con dibujos, a manera de flipbook, que sirva para ejemplificar los conceptos vistos en la parte teórica del módulo. Escoger y el tipo de movimiento más ad hoc para un proyecto de animación particular y comenzar su planeación.
PERFIL DE INGRESO: Ilustradores, dibujantes o personas interesadas en la dirección de animación para
proyectos de cortometraje, videoclip, publicidad, vjing, gif, etc.
REQUISITOS DE INGRESO: Sketchbook de notas que se pueda usar como flipbook y materiales para bocetaje. Idealmente contar con smartphone o tablet con alguna aplicación para hacer animación con fotografías (ej. Stop Motion Studio). El alumno deberá llegar con la idea para un proyecto de animación con el fin de definir el estilo más adecuado para el mismo.
PERFIL DE EGRESO: El alumno conocerá términos y bases aplicados a diferentes tipos de animación. Aprenderá lo necesario para dirigir la animación en un proyecto específico, y podrá justificar la técnica según lo que requiera el mismo. Al finalizar el taller, el alumno habrá comenzado la planeación de la
animación del proyecto.

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MATERIALES: Hojas blancas, libretas de dibujo, lápices, plumas.

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TEMARIO
SESIÓN 1
1. Las bases: Conceptos clásicos y básicos del movimiento
– Keys, Breakdowns, inbetweens
– Aceleración y desaceleración / Timing
– Pose to pose vs Straight Ahead
– Squash and Stretch
– Exageración
– Anticipación
SESIÓN 2
2. Conceptualización: la toma de decisiones. Animación abstracta o figurativa?
– Cómo establecer estados anímicos en la animación.
– Cómo planear una animación
– Trabajar con un equipo

Casiopea es un colectivo independiente fundado en 2013 por Alexandra Castellanos, Ana Cruz,
Andrea Mondragón y Sandra Medina. Se dedican a la producción de animación, ilustración y
diseño a través de la mezcla de técnicas análogas y digitales y su producción se enfoca principalmente
en la difusión de contenido cultural, ambiental y educativo, así como en la creación de cortometrajes
independientes, propiedad intelectual y videoclip.
Casiopea ha colaborado con CONABIO, TEDxMexico City, CONACULTA, CANAL ONCE, ha tenido
apoyo por el IMCINE y su obra ha formado parte de festivales nacionales e internacionales
como Chilemonos, Animasivo, CutOut Fest, Stuttgart International Festival of Animated Film,
Literally Short Film Festival, FICG, FICM, Locomoción, Animamundi, entre otros.

WEB: www.casiopea.mx
REDES SOCIALES: facebook.com/SomosCasiopea
instagram.com/somoscasiopea

Workshop: Escenarios naturales

Fecha: 6, 7, 13 y 14 de Julio.

Horario: 15:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Realizar una composición inspirada en la naturaleza con principios básicos
de la acuarela.

Sesión 1

• Presentación
• Herramientas y Soportes
• Estilos de ilustración
• Referencias
• Ejercicios de introducción

Sesión 2

• Ejercicios de aplicación
• Trazo y calidad de línea
• Gestión de proyectos a ilustrar.

Sesión 3

• Boceto
• Composición
• Paleta de color

Sesión 4

• Aplicación de conocimientos adquiridos
• Revisión de proyecto nal

Materiales

• Block para acuarela
• Pinceles
• Masking
• Mascarilla líquida para acuarela
• Acuarelas

• Godete
• Trapo
• Estilógrafos
• Contenedor para agua
• Lápiz

• Regla
• Brocha
• Goma

Charlötte

Karla Hernández también conocida como Charlötte, es diseñadora gráca e
ilustradora mexicana egresada de la UNAM-FES Acatlán con experiencia en el
desarrollo de ilustraciones con acuarela y técnicas mixtas. Su trabajo está fuertemente
inuenciado por el folklor, la naturaleza y las líneas orgánicas.

Ha impartido conferencias y talleres en distintos eventos e instituciones académicas.

Su trabajo ha sido presentado en diferentes galerías de la Ciudad de México, recientmente
en Nueva York, y como nalista en la primera bienal de ilustración realizada por
Pictoline. También en varias plataformas digitales y medios impresos como: Picnic,
Domestika, Chilango, All City Canvas, Bacanika entre otras.

Workshop: Modelado, molde y pintura con cerámica

Fecha: 20, 21 de Julio.

Horario: 11:00 a 15:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $2,000  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: El taller pretende abordar la cerámica desde una perspectiva general, explicando sus principios básicos y aplicando los mismos a la creación de objetos funcionales y creativos. Con la posibilidad de su reproducción en serie a través de la producción de moldes cerámicos.

Sin ser necesario el conocimiento previo sobre la materia. Se desarrollarán piezas escultóricas así como tazas, platos o macetas. Agregando a las mismas un toque personal y creativo.

Para lograr esto se pondrán en práctica distintas técnicas en relación al modelado, molde y la pintura cerámica, así como su acabado final en el horneado de las piezas.

Dia 1: Conceptos básicos en relación a la cerámica. Modelado libre de acuerdo al proyecto personal de cada participante.

Dia 2: Elaboración de moldes y sus conceptos generales.

Dia 3: Modelado libre, y copia de las primeras reproducción de las piezas en molde.

Dia 4: Pintura Cerámica y esmaltado de las piezas.

MATERIALES INLCUIDOS

Martín Ferreyra

Nació en la Ciudad de Córdoba, Argentina. Psicólogo de formación, y principalmente autodidacta en lo que respecta a las artes. En los últimos años su trabajo se reparte entre la pintura y la cerámica, creando la línea de cerámicas Totem Bowls; y elaborando un mundo personal dentro de su imaginario visual. Medio por el cual investigar conceptos en torno a la identidad, el rito, y el mito. Latentes en el inconsciente colectivo de nuestra cultura.

Workshop: Ilustración para Blackwork

Fecha: 20, 21 de Julio.

Horario: 10:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: El alumno desarrollará las aptitudes necesarias para la resolución, tanto técnica como creativa, de una ilustración o diseño estilo blackwork, del mismo modo adquirirá las herramientas y recursos profesionales que le permitirán abordar de manera más eficiente cualquier planteamiento creativo ante un cliente real.

Clase 1

1. Introducción al dibujo con tinta y al tatuaje blackwork.

2. La línea, negros sólidos y whip shading como elementos fundamentales del blackwork.

3. Ejercicios prácticos de trazo y reconocimiento del material.

4. Temas y estilos de la ilustración blackwork

5. Bocetaje con técnicas mixtas.

    

   6.Importancia del contraste y la composición tonal.

   7. Planteamiento de un proyecto creativo ante un cliente y su proceso de resolución.

Clase 2

1. Práctica de bocetaje y desarrollo de un diseño con  estudio de referentes.

2. Factores a contemplar para el diseño de un tatuaje.

   3. Planteamiento del proyecto final.

   4.Análisis y estudio de referentes.

   5 Desarrollo de bocetos y revisión de propuestas.

   6Presentación del arte final.

Materiales

1. Estilografos desechables o recargables del número .2 .4 .6 .8

2. Hojas de Cartulina Opalina blanca y hojas de papel revolución tamaño carta. 1 pliego de papel fabriano de 90 grs.

3. Lápiz HB, 2B y 4B

4. Cúter y goma de borrar.

5. Regla, escuadra y compás.

6. Plantilas para circulos y ovalos (opcional)

7. Pinceles sinteticos y pintura acrílica negro.

8. Recipientes pequeños para contener agua, un trapo pequeño.

Marat Blackart

Marat es un artista, tatuador y emprendedor Mexicano radicado en la CDMX. Su trabajo visual destaca por una gráfica sólida y consistente inspirada en los grabados medievales y barrocos que ha sabido llevar a diferentes medios como han sido el lienzo, los murales, el diseño de arte para prendas y últimamente el tatuaje en la más pura línea del Blackwork. Con un año de experiencia como tatuador y un discurso visual establecido y firme, Marat ha sabido nutrirse de diferentes vertientes y herramientas para no dejar de crecer y seguir en constante aprendizaje.

Workshop: Núcleos creativos

Fecha: 20, 21, 27 y 28 de Julio.

Horario: 15:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Rastrear, documentar y explorar los procesos creativos personales, qué los nutre y
detona y utilizarlos como herramienta para generar imágenes con identidad propia.

Sesión 1

1. MÉDULA CREATIVA

Buscar qué nos ha conformado e influenciado a nivel visual y emocional como indivi-
duos. Identificar el impacto de experiencias de vida propias en nuestro archivo visual.

Analizar porqué nos gusta o disgusta un tema, objeto u obra y porqué lo integramos

Sesión 2

2. LO INTANGIBLE
Crear imágenes a partir de cuestionarnos cómo experimentamos el mundo, a nivel
abstracto, desde nuestra perspectiva personal. Qué simbolos, niveles de realidad y

Sesión 3

3. ARCHIVOS DE DETONANTES CREATIVOS
Identificar las distintas fuentes externas e internas que nutren y detonan nuestro
trabajo creativo. Crear archivos mentales, digitales o físicos que sirvan como apoyo
para tener a la mano estos detonantes y utilizarlos como herramienta, y aprender a
integrarlos a nuestro vocabulario visual sin caer en el plagio.

Sesión 4

4. COLISIÓN
A partir de los archivos hechos en la sesión anterior, seleccionar imagenes u objetos
sin conexión aparente y explorar qué ideas generan al hacerlos interactuar (“colisio-
nar”). Identificar qué partes conceptuales y visuales de éstos seleccionamos, juntos o
separados, (y porqué) para crear una imagen final de lo visto en el taller.

Materiales

Libreta de bocetos y/o apuntes, materiales de su elección para dibujar, tijeras, pega-
mento en barra.

Gala Navarro

Gala Navarro se dedica al diseño, e ilustración. Ha realizado portadas e ilustraciones para Malpaís
Ediciones,UNAM, Editorial Antílope, Libros de Godot (Argentina) y participado en revistas como

Tierra Adentro, Chilango, Marvin y Este País. Actualmente es colaboradora del fanzine “El Molús-
culo”, y ha impartido clases, charlas y talleres sobre cómic.

Su trabajo ha sido seleccionado en el Catálogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juve-
niles (Conaculta) y en el catálogo y exposición de la Bienal de Ilustración de Pictoline, y ha sido

expuesto en muestras colectivas en México, Colombia y Japón.

Workshop: Aprenda A Quejarse Haciendo Dibujos

Fecha: 6, 7, 13 y 14 Julio.

Horario: 10:00 a 14:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Utilizar el dibujo como herramienta de comunicación de ideas críticas (feminismos, antirracismo, animalismo, etc), para construir y abrir el diálogo en sus comunidades o con objetivos pedagógicos..

Sesión 1

Primera sesión:
Se revisarán de artistas que usan el dibujo y la ilustración como vía para reflexionar temas de justicia social y ocupen la queja de forma profesional.

Sesión 2

Segunda Sesión:
Se desarrollará un proyecto personal de acuerdo al tema de su preferencia.
Se revisarán nociones básicas de bocetaje, composición, color para realizar imágenes que sean capaces de comunicar lo que queremos.

Sesión 3

Tercera Sesión:
Se hará una revisión de las técnicas más baratas y accesibles para poder distribuir nuestra queja satisfactoriamente.
Se revisarán técnicas de digitalización, impresión, limpieza y edición digital de imágenes y nociones básicas de preparado de archivos para impresión.

Sesión 4

Cuarta Sesión
Nos quejaremos profesionalmente en redes, de forma impresa, colocando imágenes en la calle, etc. una vez que se decidan las salidas idóneas para cada proyecto a partir de una reflexión de la circulación de las imágenes en el S.XXI.

Materiales

Libreta de dibujo de hojas blancas
Materiales de dibujo (lápiz suave, goma, sacapuntas, colores de madera, plumones o estilógrafos.

Iurhi Peña

Iurhi Peña (1989)
Artista visual que dibuja, hace fanzines y cómics sobre ser mujer en una ciudad de tercer mundo. Lleva Beibi Creyzi, editorial feminista queer de libros y zines junto con Frosh Samo y también gestiona una biblioteca itinerante de fanzines llamada Autoeditoras: Hacemos Femzines. Además da talleres de dibujo y autoedición.

Workshop: Núcleos creativos

Fecha: 20, 21, 27 y 28 de Julio.

Horario: 15:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 4
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,800  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Rastrear, documentar y explorar los procesos creativos personales, qué los nutre y
detona y utilizarlos como herramienta para generar imágenes con identidad propia.

Sesión 1

1. MÉDULA CREATIVA

Buscar qué nos ha conformado e influenciado a nivel visual y emocional como indivi-
duos. Identificar el impacto de experiencias de vida propias en nuestro archivo visual.

Analizar porqué nos gusta o disgusta un tema, objeto u obra y porqué lo integramos

Sesión 2

2. LO INTANGIBLE
Crear imágenes a partir de cuestionarnos cómo experimentamos el mundo, a nivel
abstracto, desde nuestra perspectiva personal. Qué simbolos, niveles de realidad y

Sesión 3

3. ARCHIVOS DE DETONANTES CREATIVOS
Identificar las distintas fuentes externas e internas que nutren y detonan nuestro
trabajo creativo. Crear archivos mentales, digitales o físicos que sirvan como apoyo
para tener a la mano estos detonantes y utilizarlos como herramienta, y aprender a
integrarlos a nuestro vocabulario visual sin caer en el plagio.

Sesión 4

4. COLISIÓN
A partir de los archivos hechos en la sesión anterior, seleccionar imagenes u objetos
sin conexión aparente y explorar qué ideas generan al hacerlos interactuar (“colisio-
nar”). Identificar qué partes conceptuales y visuales de éstos seleccionamos, juntos o
separados, (y porqué) para crear una imagen final de lo visto en el taller.

Materiales

Libreta de bocetos y/o apuntes, materiales de su elección para dibujar, tijeras, pega-
mento en barra.

Gala Navarro

Gala Navarro se dedica al diseño, e ilustración. Ha realizado portadas e ilustraciones para Malpaís
Ediciones,UNAM, Editorial Antílope, Libros de Godot (Argentina) y participado en revistas como

Tierra Adentro, Chilango, Marvin y Este País. Actualmente es colaboradora del fanzine “El Molús-
culo”, y ha impartido clases, charlas y talleres sobre cómic.

Su trabajo ha sido seleccionado en el Catálogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juve-
niles (Conaculta) y en el catálogo y exposición de la Bienal de Ilustración de Pictoline, y ha sido

expuesto en muestras colectivas en México, Colombia y Japón.

Workshop: Introducción al óleo “wet on wet”

Fecha: 15 y 16 de junio.

Horario: 10:00 a 19:00 h.
No. de sesiones: 2
Duración total del taller: 16 Hrs.
Precio: $1,600  (Aparta tu lugar con $400)

Objetivos: Dotar al alumno de los conocimientos técnicos sobre pintura al óleo en el proceso húmedo/húmedo, así como los materiales y materia prima a utilizar. Proporcionar una guía en la práctica de la mezcla del color, a partir  de una paleta triádica y los posibles resultados visuales.

Sesión 1

Presentación

Materiales y Utensilios                 
Medios
Mezcla del color y la luz
Proceso húmedo sobre húmedo

Ejercicio: bocetos  y apuntes pintados directos con óleo
El alumno aplicará el proceso en pequeños formatos de práctica copiando una imagen en periodos de tiempo cortos

Sesión 1. 2

Auxiliares para Acabados y texturas (masilla y gradiente de grano)
Pinceladas y trazos de espátula (referencias visuales)

Ejercicios de empleo en busca de los acabados
El alumno aplicará los acabados al copiar imágenes en periodos de tiempo corto en formatos pequeños

Sesión 2

Trabajo final

Ejercicio: Aplicación de los conocimientos para trabajar una pieza final.
El alumno elaborara una imagen con este proceso, aunando la elección de un acabado visual para emplearlo en un Retrato, autorretrato o  ilustración que quiera desarrollar con esta técnica.

Retroalimentación
Conclusiones

Materiales

Óleos: Azul ultramar y azul Cobalto, Amarillo Cadmio limón y Amarillo Cadmio obscuro, Rojo (carmesí) Alizarina y rojo cadmio, Blanco de titanio y Negro marfil. 37 mil. Winsor and Newton.
En su defecto, materiales económicos con las mismas características de color de los nombres antes mencionados: Atl Rodin Azul ultramar y Prusia, Amarillo Claro y obscuro, Rojo bermelion y magenta. 40 ml

Aceite de linaza. 125 ml.
Aguarrás bidestilado 125 ml.
Solvente si olor Atl 125ml
Barniz/Sellador Atl 100 ml

4 Recipientes de vidrio pequeños tipo Gerber
Vidrio de 6mm de 25 X 30 cm aprox o una paleta de pintor para mezclas

Juego de pinceles (cerda y sintéticos)
Espátula de pintor
Trapo o toallas de papel para limpieza

1/2 de papel ilustración cortado en 8 partes iguales.
Un lienzo de 25 X 35 cm aprox., preparado y listo para usarse.

Ivardi Arti